Óscar Reyes Matute
El cine es, en su sustancia más primaria, una ilusión óptica. Un grabado de sombras y destellos que transcurre a veinticuatro fotogramas por segundo. Sin embargo, la mirada colectiva suele rendir tributo casi exclusivo al director o a las estrellas de la pantalla, olvidando que la verdadera atmósfera, el tono emocional y el volumen plástico del drama nacen en el ojo del director de fotografía.
En la tradición hispanoamericana, el lienzo cinematográfico no solo ha sido un espacio de registro, sino una deslumbrante extensión pictórica donde la luz se esculpe como poesía.
Para comprender la genealogía de este oficio en nuestra región, es obligatorio regresar a las raíces: la imponente figura de Gabriel Figueroa. El maestro mexicano fundó una gramática visual inconfundible durante la Época de Oro del cine en su país. Bajo la instrucción inicial de Gregg Toland en Hollywood, Figueroa aprendió el manejo magistral del claro-oscuro. Sin embargo, al regresar a su tierra, convirtió el cielo, los nubes dramáticas y el paisaje volcánico en personajes trágicos.
Su colaboración con directores como Emilio «El Indio» Fernández o Luis Buñuel (Los olvidados, El ángel exterminador) configuró una estética nacionalista tan potente que definió la identidad visual de toda una época.
Figueroa no encuadraba simplemente una escena; la dibujaba con el rigor de un muralista.
Décadas más tarde, al otro lado del Atlántico, la travesía de Néstor Almendros dejaría una huella indeleble entre Europa y Hollywood. Nacido en Barcelona y criado cinematográficamente entre La Habana y París, Almendros revolucionó la iluminación moderna al promulgar el minimalismo absoluto.
Su filosofía rechazaba los artificios pesados del estudio para priorizar la luz natural que emanaba de las ventanas o de las velas. Su genialidad junto a los grandes nombres de la Nouvelle Vague —François Truffaut y Éric Rohmer— le abrió las puertas de la industria estadounidense. En 1978, su trabajo en Days of Heaven (Terrence Malick) le valió el Premio de la Academia, utilizando casi de forma exclusiva la luz de la «hora mágica» -esos instantes que van desde que el sol se pone hasta que realmente anochece- para capturar la vastedad dorada de los campos americanos.
La antorcha del genio latinoamericano alcanzó una cima sin precedentes en el cine contemporáneo de la mano de Emmanuel «El Chivo» Lubezki. El fotógrafo mexicano quebró todos los récords de la industria al encadenar tres estatuillas consecutivas del Óscar a la Mejor Fotografía por Gravity (2013), Birdman (2014) y The Revenant (2015).
Lubezki redefinió la experiencia inmersiva del cine moderno mediante el uso de lentes ultra angulares, la fluidez virtuosa del plano secuencia y el aprovechamiento extremo de los elementos naturales. De la mano de creadores como Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu y el propio Malick, «El Chivo» transformó la cámara en una presencia viva que respira al ritmo del actor.
Junto a Lubezki, la estirpe hispana sigue marcando la pauta en la meca del cine. Es imposible omitir a Rodrigo Prieto, colaborador predilecto de Ang Lee, Oliver Stone y Martin Scorsese. Con cuatro nominaciones al Óscar (Brokeback Mountain, Silence, The Irishman y Killers of the Flower Moon), Prieto destaca por su asombrosa versatilidad para traducir en textura visual las obsesiones morales e históricas de los grandes narradores de nuestro tiempo.
Esa vocación por esculpir la luz también halló un cauce vigoroso en Venezuela. El maestro polaco-venezolano Cezary Jaworski marcó un hito en el cine nacional al dotar a obras emblemáticas como Una casa con vista al mar, Reverón o La casa del fin de los tiempos de una poesía penumbrosa y conmovedora.
En el terreno documental, Joaquín Cortés sintetizó en El domador (1978) la crudeza y la belleza mística de las faenas del llano con una cámara de altísima densidad dramática.
A esa estirpe pertenecen los hermanos Luis y Andrés Rodríguez, cuya propuesta en Brecha en el silencio o Un destello interior integra la luz natural y el encuadre íntimo para capturar las aristas humanas con profunda honestidad.
En cada uno de ellos, la mirada se convierte en lenguaje universal, reafirmando que la fotografía hispana comprende la luz no solo como técnica, sino como revelación emocional.
Desde la mística de los volcanes de Figueroa hasta los planos secuencia imposibles de Lubezki, la fotografía cinematográfica de nuestra región se ha consolidado como un referente de innovación y sensibilidad artística. Estos directores de fotografía no solo han iluminado los rostros de la pantalla mundial; han demostrado que la mirada hispana posee una poética propia para narrar las luces y las sombras de la condición humana.
